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行走的时代
[ 2019/2/28 19:12:00 | By: zongli ]
 

古希腊的雕塑创造出了完美的人的自身形象,在那些留存到今天的或完整或残缺的塑像中,人类肉体和精神的美和谐地统一着,也启迪着人类思考自身形象应该达到的理想境界。到十九世纪末二十世纪初,罗丹虽然是近乎“粗暴”地将自己对生命的理解、对生存的思考浇铸进了作品之中,使其具有强烈的时代元素,但他却也是在继承着古典雕塑的美学精神,创造性地发展着自己的美学思想。在罗丹的雕塑残片中,可以看得出这样的继承和发展。

留存至今的残缺的古希腊雕塑,是历史磨损、毁坏的结果,罗丹的雕塑残片却是他艺术创作的“成品”,《行走的人》就是如此。在这些残片上,罗丹为了突出自己要表现的局部细节,便有意识地去除了容易引发观众联想的人体的关联部位,将残缺呈献在观众的视野。这种有意识的“残缺”近乎粗暴,是艺术家主观意识强烈介入作品的体现,这已经是现代主义的艺术观念了。

在《行走的人》这件作品上,人体的躯干合乎比例地伸展着,肌肉、骨骼强健结实,作为一件独立的人体塑像与古典时代的经典相比,毫不逊色。但是,罗丹坚决地去除了塑像的头部和上肢,去除了衣饰,去除了一切有可能会引起观众关注思考的主题之外的部分。于是,塑像的容貌、身份、精神状态、性格特征,一切都不存在了,你只需去注意塑像存在的运动状态就可以了。“看,这是一个行走的人!”对了,这就是一个行走的人而已。或者,我们可以再进一步:这就是一件关于行走的作品而已。

罗丹这件作品中的艺术倾向,在未来主义艺术家波丘尼那里,得到了充分的展现。波丘尼主张运动感的表现是艺术中的首要问题,因此,他的作品总是充满着动感,《空间中连续性的形式》就是如此。

在《空间中连续性的形式》这件作品中,波丘尼力图表现出运动的过程,借以实现把时间这一因素引入造型艺术中的目的。为此,波丘尼高度概括了人在一个时间段内的行进姿态,将其压缩进一个静态的立体雕塑形象中去,在观众的视觉上,成功地造成了一个快速行进的人物的印象。作品模糊了人的五官,没有双臂,变形的躯干和迈进的姿态充溢着强烈的运动感,中国传统绘画中大写意的笔法在此找到了共鸣。

一个行走的人,一个跨步向前、势不可挡的运动姿态,工业文明的狂飙猛进的时代潮流里,人会惊恐、会嘶喊,但必须前进。罗丹或许没有想到这一点,但是波丘尼却是清醒地意识到运动美学的意义所在,并且为之兴奋地呐喊。《空间中连续性的形式》,一个时代的形象,当前进中的人们回眸凝望,人类文明的晨曦里,依然会看到米洛斯的阿芙洛蒂特恬淡自信的微笑。

 

 
 
  • 标签:雕塑 罗丹 波丘尼 
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